Después de la independencia, como todas las corrientes culturales y artísticas que se forman en torno a un acontecimiento político, el arte indio también estuvo marcado por una fuerte dosis de conciencia política y social. Esto anunció el nacimiento del arte contemporáneo indio y llevó a la fundación de una nueva escuela de arte en Bombay, llamada “Grupo de Artistas Progresistas”. Fundado por Francis Newton Souza, el grupo fomentaba dos tipos de arte: en un extremo, los artistas pintaban escenas atrevidas y furiosas de los recientes cambios políticos y sociales, mientras que la escuela de arte de Bombay animaba a los pintores a volver a las tradiciones y motivos indios, creando obras mágicas y fantásticas. De ahí surgieron algunos de los nombres más importantes del arte indio contemporáneo: Francis Newton Souza, Maqbool Fida Husain, Gulam Muhammed Sheikh o Sundaram, por nombrar sólo algunos.
La Bienal de Venecia, una de las exposiciones de arte más prestigiosas del mundo, presentó el arte indio en su última edición a través de una exposición dedicada llamada “iCon: Indian Contemporary”, mientras grandes casas de subastas como Sotheby’s y Christie’s compiten por desarrollar una base de clientes más amplia y aprovechar el enorme potencial del país.
De hecho, en los últimos dos o tres años, tanto los volúmenes como los precios del arte indio en los mercados mundiales se han disparado. Las obras de artistas veteranos como Francis Newton Souza, Husain, Syed Haider Raza, Tyeb Mehta, Akbar Padamsee, Ram Kumar y Vasudeo Gaitonde han alcanzado niveles impresionantes, incluso cuando artistas más jóvenes como Subodh Gupta, Jagdish Swaminathan, Bhupen Khakar y Arpita Singh alcanzan precios y reconocimiento.
Parece que el arte indio ha encontrado por fin el lugar que le corresponde en el mundo.
Los indios siempre han sentido pasión por lo bello: los tejidos, la escultura, la arquitectura de los templos, la música, la danza e incluso la comida hablan por sí mismos. El arte siempre se ha definido por un periodo histórico concreto, así como por los conjuntos regionales y religiosos que influyen en él.
El arte indio antiguo en forma de esculturas y murales era siempre de temática casi religiosa. La representación de dioses, diosas y seres celestiales era esencial en el arte del templo. Las cuevas de Ajanta y Ellora cuentan con los murales más impresionantes de esta época con su representación de temas jainistas, budistas e hindúes.
La llegada de los invasores musulmanes, en particular, aportó nuevas influencias, como los motivos geométricos y florales repetitivos, las dimensiones espaciales y las narraciones. El arte de la miniatura también se introdujo durante esta época, lo que dio lugar a la aparición de importantes escuelas como la de Pahari, Kangra, Kishangarh y otras escuelas de Rajastán. Las parábolas religiosas, los cuentos populares, la mitología, el erotismo y la vida de los hombres y mujeres comunes empezaron a encontrar expresión en esta nueva forma.
La era británica aportó una perspectiva completamente nueva al arte y a las formas artísticas. Asombrados constantemente por la diversidad de la India, su exótica flora y fauna y sus extraordinarios monumentos antiguos, y deseosos de capturar estas maravillosas imágenes para enviarlas a sus familias, muchos de los europeos destinados en la India contrataron a artistas indios para que les pintaran estos maravillosos escenarios. Estas “postales de la India” utilizaban una combinación de motivos, ideas y estilos pictóricos europeos, que no sólo fueron un éxito en Europa, sino que dieron paso a un nuevo estilo indoeuropeo.
El mundo se abrió así y muchos artistas indios entraron en contacto con las principales obras y tendencias artísticas europeas. Simultáneamente, el oriente también se abrió, ya que las formas de arte orientales de China y Japón ganaron en conveniencia y se unieron para dar forma a lo que hoy se llama arte indio.
